Visitamos el Fuorisalone 2026 en la Milano Design Week

Una de las paradas obligatorias en Corso Venezia fue el histórico Palazzo Castiglioni. Allí, el proyecto de ICEX e Interiors from Spain, en colaboración con ELLE Decor Italia, cobró vida bajo la maestría de Studiopepe.

Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto concibieron el espacio como una experiencia de descubrimiento casi teatral. El concepto era fascinante: cada estancia estaba perimetrada por cortinas metálicas que dejaban entrever el interior. Al atravesarla, descubrías pequeñas cápsulas espaciales (salón, dormitorio, baño) que rendían homenaje a la elegancia retro de los interiores italianos de los setenta.

Vimos piezas de 22 firmas españolas integradas perfectamente en una paleta de tonos arena y chocolate con contrastes cromáticos vibrantes, materiales artesanales y formas curvas que nos recordaron por qué esa década sigue siendo una fuente inagotable de inspiración para el interiorismo contemporáneo.

Color y forma. Cuando el diseño se vuelve arte.

Si algo ha definido nuestra ruta por este Fuorisalone 2026, ha sido la obsesión por el estudio del color y cómo este afecta a nuestra percepción del espacio. Y para hablar del color, nadie mejor que el gran maestro Josef Albers, que este año parecía resurgir como antídoto tras todos estos años de neutralidad y tonos calmados.

Nuestra primera parada fue en Mutina. No fue una visita comercial más, fue una lección de historia del arte aplicada. Presentaron una colaboración increíble basada en el trabajo de Josef Albers, el maestro de la Bauhaus. La exposición, titulada «Heritage» y comisariada por Marco Sammicheli, trasladaba los famosos cuadros de «Homenaje al Cuadrado» de Albers al mundo cerámico. Es fascinante ver cómo han conseguido que el azulejo reproduzca esas interacciones cromáticas que Albers estudió durante décadas. No es solo un patrón; es entender cómo un tono de terracota cambia por completo cuando le pones un gris cemento al lado. Para cualquier interiorista, esto es oro puro.

Otros que algo saben de color es Kvadrat, que presentaron en Triennale «The Silent Pioneer», un homenaje espectacular a Frans Dijkmeijer. La exposición no iba solo de telas, iba de la arquitectura del hilo. Dijkmeijer es un maestro en crear texturas complejas a partir de estructuras simples, y ver su proceso de creación de cerca es entender por qué Kvadrat es Kvadrat. La instalación nos permitió apreciar la complejidad de sus textiles. Auténticas obras de arte que fusionan la maestría artesanal con la industrial. Un recordatorio de lo importante que es mirar de cerca, valorar la técnica y la complejidad de materiales que nos acompañan en nuestro día a día y que en ocasiones pasan desapercibido.

Otra de las exposiciones que nos dejaron boquiabiertos fue la de Kerakoll. Una exposición diseñada por Nathalie Du Pasquier y George Sowden, figuras clave del grupo Memphis. La instalación jugaba con la nueva paleta de colores de la marca llevada a una dimensión arquitectónica.

Du Pasquier y Sowden han diseñado una exposición que rompen con la sobriedad y la neutralidad que venía imperando en los últimos años. Lo que nos ofrece kerakoll con esta expo es libertad creativa. La posibilidad de combinar prácticamente cualquier geometría y material con colores espectaculares. El diseño expositivo, lleno de geometrías y volúmenes, convertía el showroom en un patio de juegos para adultos con un gusto exquisito. Era como transitar por una obra de arte.

Entrar en la Casa Lana dentro de la Triennale es como hacer un viaje al pasado y comprobar como la obra de Sottsass se mantiene atemporal. La exposición constaba de 2 partes, una selección de fotografías de momentos íntimos y cotidianos, y en el centro, una reconstrucción fiel del salón de Sottsass que diseñó en los años 60. Como ir de visita a su casa. Solo faltaba que estuviera sentado en uno de los sofás del salón e invitarte a un café.

A nivel de interiorismo, nos aporta una reflexión brutal sobre zonificación: cómo crear espacios íntimos y funcionales sin levantar muros. Es una arquitectura dentro de la arquitectura que se siente más moderna hoy que hace sesenta años.

Si hubo un momento de éxtasis en este Fuorisalone 2026, fue la intervención de Sara Ricciardi en la Pinacoteca di Brera. Bajo el título «Releases the chemistry of happiness», Sara diseñó una instalación que era un chute de dopamina pura.

Inspirada en los procesos neuroquímicos de la felicidad, la obra jugaba con formas orgánicas y una ligereza que contrastaba con la piedra solemne de la Pinacoteca. Fue el recordatorio perfecto de que el diseño debe, por encima de todo, hacernos sentir. No es solo estética, es química y es bienestar emocional.

También en la Triennale, Barber & Osgerby presentaron una retrospectiva espectacular. Un repaso por las piezas más icónica de su prolífera carrera. El diseño expositivo era mínimo, dejando que las piezas hablaran por sí solas. Lo que más nos llamó la atención fue su capacidad para reducir los objetos a su esencia más pura. Nos encantó ver cómo analizan la ergonomía y el uso de la luz natural sobre los materiales. Un trabajo finísimo.

Federicia siguen demostrando que son los maestros de la madera. Presentaron reediciones de piezas clásicas con nuevos acabados en aceites orgánicos. Nos quedamos con su apuesta por la «slow-trend»: muebles atemporales que no caducan.

Lo de IKEA en el Padiglione Visconti ha sido un golpe de autoridad. Se han alejado años luz de esa estética clónica y vacía que a veces asociamos a los apartamentos de alquiler vacacional. Han conseguido cambiar la percepción de la marca creando espacios con muchísima personalidad usando productos sencillos de su catálogo. Nos han dado una lección: el diseño democrático puede ser sofisticado y lleno de carácter si se sabe combinar con intención. Colaboraciones como la de la diseñadora mexicana Maye Ruiz, quien ha construido un espacio lleno de detalles, con todo el carácter y legado, un espacio que te transporta directamente a México.

Después de estos 4 días en el Fuorisalone 2026, nuestras notas están llenas de ideas que estamos deseando aplicar en los proyectos de LEBLUME:

1. Cromatismo inteligente: Siguiendo la estela de Albers y Nathalie Du Pasquier , el poder del color para transformar la percepción del espacio.

2. El retorno de los 70: Revisar el legado de grandes autores de esas décadas para conseguir espacios tan potentes como el Studiopepe para Appartamento Spagnolo: sofisticado, lleno de texturas y formas envolventes.

3. Modularidad teatral: Espacios que se descubren por capas, que no te lo dan todo de golpe, si no que te van desvelando y sorprendiendo a cada paso. Nos pasó en muchas exposiciones, pero sobre todo en la de Cosentino.

4. Identidad frente a cliché: El ejemplo de IKEA y Maye Ruiz nos dice que cualquier espacio, sin importar el presupuesto, puede tener alma si se huye de lo preestablecido y se trabaja desde la autenticidad, con criterio y concepto.

En resumen, Milán nunca decepciona, pero este Fuorisalone 2026 ha tenido una profundidad teórica y una calidad en las colaboraciones que echábamos de menos. Ha sido una vuelta a los maestros, a la teoría del color y a la pausa necesaria para crear espacios con sentido. Algo que era completamente necesario y que llevamos tiempo reivindicando para romper la monotonía de los espacios neutros y calmados de los últimos años. Nos volvemos con las pilas cargadas y muchas ganas de proyectar.

Atentos, porque en el próximo post os contaré todo sobre nuestra visita al Salone del Mobile (la feria en Rho) y un especial sobre la expo de los Eames con Kettal que merece un capítulo aparte.

¡Gracias por acompañarnos en este viaje! ¿Cuál de estas propuestas os ha hecho más «clic»?